ARTICULOS DE TEATRO E INVESTIGACION

ASTRONOMIA

COMO NO CREER EN DIOS familia amigos

SEPARATA TEATRO I . II USMP 2016

1 NORMAS APA RR GENERAL

EL ARTE DINAMIZA LA FORMACION PROFESIONAL CREATIVA . caso utp 

FUNDAMENTOS Y TECNICAS DEL TEATRO EN LA FORMACION PROFESIONAL

TEATRO,COMUNICACION Y CONOCIMIENTO

GUIA PARA LOS TRABAJOS DE INVESTIGACION EN LA ENSAD

9 MANUAL DE INVESTIGACION EN ARTES Y PEDAGOGIA TEATRAL. RR

00 ORIENTACIONES ESPECIFICAS PARA LA TESIS

8 REDACCION DEL TEXTO DE INVESTIGACION – copia

EL TEATRO DE COSTUMBRES DE MANUEL A.SEGURA

LAS TRES VIUDAS DE MANUEL A.SEGURA. VIGENCIA COSTUMBRISTA

PEDAGOGIA DEL ARTE Y LA TEORIA DE LA COMPLEJIDAD DE EDGAR MORIN

REGLAS BASICAS DEL TEATRO SEGUN STANISLAVSKY

REGLAS ELEMENTALES DEL MOVIMIENTO EN EL ESCENARIO

LAS 15 REGLAS DE ORO DE LA ETIQUETA PARA ASISTIR AL TEATRO

SISTEMA R11 DE ACTIVIDADES TEATRO

PARA QUE SIRVE EL TEATRO

EL ARTE EN LA UNIVERSIDAD DINAMIZA LA FORMACION PROFESIONAL CREATIVA

UNA EXPERIENCIA REAL EN LA UTP.

ANTECEDENTES:

Sólo el hombre tiene el divino don de crear y el de asombrarse y admirar la obra creadora de otros hombres a través del tiempo: el arte. Es nuestro mayor privilegio y que nos distingue de las demás especies vivas.

OBJETIVOS DEL ARTE EN LA FORMACION PROFESIONAL

El curso de Historia del arte en la Universidad, en la formación profesional  en general, moviliza a los alumnos como “entes” y como “grupos”. En ninguna otra actividad académica “movilizan” tanto su creatividad, imaginación, trabajo en equipo, aplicación de competencias y conocimientos de diversas materias, experiencias, calidad total y excelencia como formas de conducta y formas de vida. Los resultados finales brindan satisfacciones a cada uno. La mayoría elevan su autoestima, otros mejoran su personalidad y afinan su profesionalismo de manera superlativa, otros se incorporan a grupos de arte, gustan de leer y asistir a los espectáculos de arte, entro tantos otros logros. 

FUNDAMENTOS Y PROCESOS

El curso tiene como cauces pedagógicos los lineamientos universales propuestos y planteados por la UNESCO el  2006:

“Todos los humanos tienen un potencial creativo. Las artes nos proporcionan un entorno y una práctica en los que la persona que aprende participa en experiencias, procesos y desarrollos  creativos. Según las investigaciones realizadas, cuando una persona en fase de aprendizaje entra en contacto con procesos artísticos y recibe una enseñanza que incorpora elementos de su propia cultura, esto estimula su creatividad, su iniciativa, su imaginación, su inteligencia emocional y, además, le dota de una orientación moral (es decir, de la capacidad de reflexionar críticamente), de la conciencia de su propia autonomía y de la libertad de acción y pensamiento. La educación en y a través de las artes también estimula el desarrollo cognitivo y hace que el modo y el contenido del aprendizaje resulte más pertinente para las necesidades de las sociedades modernas en las que vive el que lo recibe”.

(Hoja de Ruta para la Educación Artística. Conferencia Mundial sobre la Educación Artística: Construir capacidades creativas para el siglo XXI. Lisboa, 6-9 de marzo de 2006)

Con estas premisas el curso abarca:

CONCEPTOS ORIENTADORES:

En la era de la complejidad y el caos como lo precisan E. Morín e Y. Prigogine, el arte despierta la creatividad renovadora, alejándolo de la operación rutinaria y la robotización que perfecciona competencias sólo para funciones pre establecidas.

Nuestro peor enemigo es el “hombre mediocre” como lo define José Ingenieros que

…. no inventa nada, no crea, no empuja, no rompe, no engendra; pero, en cambio, custodia celosamente la armazón de automatismos, prejuicios y dogmas acumulados durante siglos, defendiendo ese capital común contra la asechanza de los inadaptables.

El avance de la humanidad sólo tiene dos caminos: inventar o imitar. El arte crea, mientras otros sólo transforman. Estamos en una encrucijada.

La UNESCO, y muchos pensadores y educadores como Piaget, Vigotsky, Dilthey, Shopenhahuer, Nietzche, Morin, Bergson, Prigogine y otros se preocupan por rescatar al ser humano de un racionalismo a ultranza, de la practicidad, de la deshumanización de nuestras relaciones, de la simplicidad y del simplismo, de la pérdida de conceptos éticos y estéticos. Nos alertan de un lenguaje pragmático, realista y hasta atomista que nos dibuja una sociedad preocupada por el bienestar y la comodidad superficiales, donde el utilitarismo de nuestras acciones es la razón de vivir.

Los siglos XIX y XX  nos han dejado duras lecciones que debemos superar, especialmente cuando se trata de formar profesionales.

En el sistema dual alemán, donde “La pedagogía técnico profesional es la ciencia del desarrollo de competencias”, el jefe de personal de la empresa Volkswagen, declaró en una entrevista para Der Spiegel que : «los docentes tienen que cambiar su forma de pensar. Están acostumbrados a manejar a sus alumnos como si fueran marionetas. Después nos toca a nosotros hacerles comprender, con gran esfuerzo, que un grupo también puede trabajar sin jefe”. El modelo informal es posiblemente la modalidad de formación profesional más difundida en todo el mundo («el sistema de formación profesional más grande del mundo»). En este caso se adquieren los conocimientos, las habilidades y destrezas profesionales trabajando y aprendiendo «sobre la marcha»”. (ARNOLD, Rolf (.Formación profesional. Nuevas tendencias y perspectivas. Montevideo : Cinterfor, 2001.153 p. (Herramientas para la Transformación, pag. 16 – 34)

http://www.oitcinterfor.org/sites/default/files/file_publicacion/arnold.pdf

Cada día en las universidades líderes se está pasando de la cultura de la enseñanza a la cultura del aprendizaje.  Drew Faus, Presidente de la Universidad de Harvard ( 2011) , expresó con relación a sus programas curriculares: “Nos hemos centrado en la integración de las artes – la práctica de las artes, no sólo la apreciación y la crítica de las artes- en nuestra docencia de pregrado; así que estamos explorando muchas dimensiones innovadoras, incluyendo la introducción de la creación artística en numerosos cursos de Educación General”.

El antiguo paradigma de Educación = enseñanza-aprendizaje, se ha trastocado por Educación= aprendizaje-enseñanza. (Natalia Rodríguez del Solar “Syllabus: ¿instrumento de enseñanza?UNMSM-1998) Ello implica lograr la autoformación del alumno con la guía de sus maestros. No es amaestramiento, sino orientación. La cátedra reemplazada por la asesoría, el sabio cumpliendo el rol de motivador y artífice del aprendizaje activo de sus  pupilos.

En este contexto la formación por competencias y el constructivismo tienen un destino.

 “La competencia, criterio que comienza a esbozarse desde los años 1949, cuando T. Parsons, elabora un esquema conceptual que permitía estructurar las situaciones sociales, según una serie de variables dicotómicas considerando como una de ellas el concepto de Acheviement vs Ascription, que en esencia consistía en valorar a una persona por la obtención de resultados concretos en vez de hacerlo por una serie de cualidades que le son atribuidas de una forma más o menos arbitraria; representa un anhelo a conquistar en cualquier rama de la producción y los servicios. 

 (Ernesto López CalichsGestión del conocimiento – 2005) Msc. Ana Mahé Inda González. Cuba, Ciudad de la Habana, Mayo 2007

 http://pruebasplus.com/documents/fudamentosteoricos/COMPETENCIASPLUS.pdf

Estos conceptos se amplían y desarrollan en distintos ámbitos en un estudio más amplio que desarrolla el mismo autor.

“El proceso de formación de las competencias creativas. Una necesidad para hacer más eficiente el aprendizaje de los estudiantes universitarios”. Ernesto López Calichs. Universidad de Pinar del Río“Hermanos Saíz Montes de Oca“, Pinar del Río, Cuba

file:///C:/Users/casa/Downloads/Dialnet-ParaLograrMayorEficienciaEnElProcesoDeFormacion-2551573.pdf

Y junto a estas demandas, el profesional del siglo XXI debe tener una nueva visión de la cultura y el arte: literatura, pintura, escultura, arquitectura, danza, teatro, música, cine, deben ser operaciones y desafíos a sus conocimientos científicos, estéticos y tecnológicos.

David McClelland (1973), profesor de la Universidad de Harvard, dice que el concepto de competencias en la Educación Aplicado a la Educación Superior “responde esencialmente a la necesidad de alinear el mundo educativo con el mundo del trabajo. El mercado laboral requiere agentes de cambio, lo que exige a las universidades formar titulados flexibles, autónomos y emprendedores (Jiménez, 2009). El reto es formar profesionales con compromiso ético, capaces de comprender el mundo y su complejidad y transformarlo en beneficio de todos (Zegarra, s/f).” (Ligia Guglietta -2011)

En la “Aldea global” como señala Marshal McLuhan (1964) ya no sólo las comunicaciones sino todos los acontecimientos económicos, políticos y sociales se nos acercan y se asemejan y las posibilidades de sobresalir y triunfar dependen del desarrollo  de factores individuales como la imaginación o fantasía, la creatividad, la motivación, la iniciativa, entre otros, sólo que en un universo mayor y cualesquiera sea el paradigma educativo que los aplique, aunque todos coinciden que el arte es el medio más recomendable.

Herbert Read ( 1991- Educación por el arte. Ediciones Paidos. Buenos Aires, 1991)

propone no hacer de todos los individuos artistas, sino acercarles los lenguajes de las disciplinas artísticas que les permitan nuevos y distintos modos de comunicación y expresión, desarrollando las competencias individuales interrelacionadas con lo social, a través de la sensibilización, la experimentación, la imaginación, y la creatividad.

Vigotsky L.S.(1997) en “La imaginación  y el Arte en la Infancia” precisa:

 “Toda actividad humana que no se limite a reproducir hechos o impresiones vividas, sino que cree nuevas imágenes, nuevas acciones, pertenece a la función creadora o combinadora. El cerebro no se limita a ser  un órgano capaz de conservar o reproducir nuestras pasadas experiencias, es también un órgano combinador, creador … .Es la actividad creadora del hombre la que hace de él un ser proyectado hacia el futuro, un ser que contribuye a crear y que modifica su presente.

Según Vigotsky, “la imaginación o fantasía es la actividad creadora fundamentada en la capacidad combinadora de nuestro cerebro que se relaciona con la realidad en tanto se estructura con elementos tomados de ella que se conservan en la experiencia anterior del hombre. Cuando el proceso de enseñanza aprendizaje propicia el desarrollo de la imaginación y la posibilidad de materializar en la realidad lo imaginado, se elevan los niveles de motivación por la actividad que se realiza, somos más originales, más independientes y creativos”.

“Estrechamente ligado a la imaginación, la originalidad representa el sentido de lo nuevo, diferente, o poco habitual, sin embargo, todo resultado original no siempre es creativo, para ello tiene que ser útil, relevante, valioso, novedoso y a la vez pertinente o necesario en la solución de problemas, en un determinado momento y para un determinado grupo”.

http://www.gestiopolis.com/proceso-de-formacion-de-las-competencias-creativas/

El arte no es sólo técnica, es historia, es lenguaje de una época y cultura, El arte no es patrimonio sólo de un hombre, es patrimonio de la humanidad. (Nora Ros- El lenguaje artístico, la educación y la creación.. 2002. Revista Iberoamericana de Educación (ISSN: 1681-5653)

“El arte, en sus más diversas expresiones, es una actividad eminentemente social, que se hace presente en la vida cotidiana del hombre. Es un aspecto central de su vida que lo ayuda a diferenciarse del resto de los seres vivos ya que él es el único capaz de producirlo y disfrutarlo”.

“El arte y el hombre son indisociables. No hay arte sin hombre, pero quizá tampoco hombre, sin arte. Para él, el mundo se hace más inteligible y accesible, más familiar. Es el medio de un perpetuo intercambio con lo que nos rodea, una especie de respiración del alma, bastante parecida a la física, sin la que no puede pasar nuestro cuerpo. El ser aislado o la civilización que no llega al arte está amenazado por una secreta asfixia espiritual, por una turbación moral.” René Huyghe (1965) El arte y el hombre. Barcelona: Editorial Planeta.. Plan Nacional de Inserción de los Componentes Culturales y Artísticos en la Educación Beatriz Parra Durango Viceministra de Cultura Ministerio de Educación y Cultura de Ecuador.

http://portal.unesco.org/culture/en/files/32037/11593677223PonenciaEcuador.pdf/PonenciaEcuador.pdf

 Las instituciones de educación superior son las principales responsables de dotar a los futuros profesionales no sólo de una alta cultura científica, sino también estética, porque la sociedad contemporánea requiere que el arte contribuya a la formación de las nuevas generaciones y a la educación del pueblo en general.

 EL TEATRO UNIVERSITARIO

 Utilizando los conceptos y teorías previa, el arte y el teatro, en particular, proponen y revisan anualmente sus objetivos, se trazan metas, junto con los estudiantes que son heterogéneos en experiencia y deseos de hacer arte, se aborda el tema. El teatro es un arte colectivo por excelencia y que suma, en su ejecución el esfuerzo, la riqueza y el poder de todas las demás artes.

El teatro es el arte de “representar” una fracción de la vida real. Aquí nuestro cuerpo es el instrumento, la materia y el sustento del arte, lo que es el mármol o la piedra para el arquitecto o escultor. Por ello el mayor cuidado, la protección, la preparación y el manejo científico, técnico y artístico se ejerce sobre ese cuerpo único y permanente que Dios nos entregó como instrumento.

El teatro desarrolla la personalidad del hombre, en sus aspectos, físicos, intelectuales y afectivos. Desinhibe, fomenta la espontaneidad y sociabilidad. Mediante técnicas, instrumentos y procedimientos artísticos incentiva y mejora la concentración, creatividad, libertad, autodisciplina, enriquece la sensibilidad, fortalece las motivaciones, alfabetiza al hombre para controlar sus emociones y sentimientos, desarrolla la capacidad comunicativa oral y corporal.

Es cierto que la educación ha mutado formas y contenidos en los últimos años: tenemos mejores y nuevos medios didácticos, apoyo de la tecnología más avanzada, entre otras muchas ventajas y novedades.

Pero…siguen las lecciones en espacios cerrados (aulas con carpetas ,a veces empotradas), con función de custodia, que inmovilizan e individualizan a los alumnos. Manejamos la pedagogía transmisiva (Freire le llama: “pedagogía bancaria”), se acumulan conocimientos para comprobarlos en el examen que premia la respuesta pero no confirma el aprendizaje. Se eliminan el juego, la curiosidad, la diversión, la creatividad, el invencionismo, el descubrimiento y la investigación autónoma del educando, a sus diseñadores de cursos no interesa el vocabulario de los estudiantes, su lenguaje o su expresión corporal, su analfabetismo emocional o tecnológico. Los cuatro saberes de la Comisión Delors, o las contribuciones de  Edgar Morín, de Peter Drucker, de  Tom Peters, Edgar de Bono, Mel Levine, Vigostky,  Daniel Goleman, entre otros teóricos y epistemólogos de la educación del Siglo XXI no están todavía al alcance de la mayoría de los diseñadores de currículas.

Esta realidad es palpable en  muchas de las universidades que han incluido arte en su Plan de cursos. Sin embargo y es justo reconocer, otras entienden que el arte es una necesidad de la formación. Es el caso que analizo y se cumplió por casi 15 años.

En la Universidad se promueve el arte como elemento renovador para el trabajo educativo y para la misma vida. Refuerza nuestra educación básica y facilita la asimilación de las nuevas características de la formación universitaria que requiere ser más versátil y cambiante, producto de la transición de los cuestionados modelos empresariales fordista o producción en masa o en serie,   al modelo postfordista o  “de  la producción de calidad diversificada  y especialización flexible; y finalmente, al  “neofordismo” o “fordismo soft” de la “producción personalizada en masa”.

/Selección de textos realizada por Prof. María Eva Vigliecca .“Epistemotecnología. Buenos Aires, 15 de agosto de 2012.- ¿del  fordismo al posfordismo? advenimiento de los nuevos modelos de organización industrial”) 

RESULTADOS

El arte es un medio educativo muy importante en la formación profesional

Es el mejor medio integrador del conjunto de saberes que el sujeto adquiere y necesita verificar si son aplicables o no, si son “significativos” o no.

El arte define la identidad cultural, eleva la autoestima y fortalece la personalidad del futuro profesional por el conocimiento, por la experiencia y porque cultiva sus emociones y sentimientos como las únicas propiedades incompartibles que enriquecen al hombre.

Es de esperar que, en la universidad moderna se fortalezca y promueva siempre el arte , porque finalmente la razón de ser de la educación es la superación del hombre para crear lo mejor de su sabiduría y el arte es el medio que le facilita entenderlo, aplicarlo y admirarlo.

ESTADISTICAS REFERENCIALES DE LOGROS:

Como datos promedio podemos resumir:

Nùmero de aulas promedio: 7 en cada ciclo (Promedio)

Número de alumnos por ciclo            : 40

Ciclos anuales. Durante los primero 10 años, fueron de 2 ciclos por año y los últimos 5

Se elevó a 2 promociones y medio, con lo que nuestra actividad comprendía el mismo periodo.

CLASES EN AULA

Las clases en aula tanto de teatro como de pintura contaban con una parte teórica, otra parte de muestras o trabajos directos con apoyo audiovisual (PPT o cine) que permitía desarrollar conceptos, historia resumida y sobre todo debate sobre el tipo de muestra que se utilizaba. En el caso de Teatro, las muestras de arte (pintura, escultura, arquitectura, cine, danza, música y teatro) era documentos elaborados con la asistencia en vivo del profesor del curso a los diferentes museos y centros culturales tanto en Perú, América como Europa. De manera que se hablaba y se mostraba ejemplos reales. Sumamos algunos ejemplos de bibliotecas mundiales de muy alta categoría.

Por suerte el teatro contó con un auditorio para sus labores y logró importantes resultado.

EL caso de Pintura fue diferente, sólo contaba con un aula y sus carpetas.

VISITAS CULTURALES

 El concepto básico fue enarbolar el principio de que a la obra de arte hay que encontrarla en su lugar de origen y por eso se programaban las visitas culturales fuera de la universidad.

Desde el año 2,000 en que institucionalizamos estas visitas las cifras indican el aspecto cuantitativo de asistentes, pero el porcentaje de logros afectivos, estéticos y culturales habría logrado en uno de ellos fácilmente habría que multiplicarlos por 5 que significa que su experiencia y fomento de sus apreciaciones llegaron a otros 5 que igualmente se convirtieron en posibles visitantes.

Museos de Artes Plásticas o similares: Museo de arte, museo del Banco Central de Reserva, Museo metropolitano, Museo Larco Herrera, Museo de la Nación, Galería Pancho Fierro, Galería de la Municipalidad de Miraflores, Casa de España, Museo de Antropología e Historia Julio C. Tello, Museo Amano, Museo de la Huaca Pucllana, Museo de la Gastronomía, Museo de la Electricidad, Museos de las Principales Iglesias: San Francisco, Catedral, San Pedro, Santo Domingo, entro otros.

Visitas anuales programas y controladas por los profesores, 300 alumnos de cada ciclo en los últimos quince año, llegan a sumar más de 10,000 visitantes.

Caral: la ciudad más antigua de América y Huaura, Cuna de la libertad peruana.

15 visitas anuales, 6 por ciclo, 50 alumnos por viaje movilizando 750 alumnos por año

Total casi 10,000 alumnos

Espectáculos de teatro                     12 visitas anuales, movilizando 3,000 alumnos por año

Obras de diverso género, pero cuyo requisito fue presentar su Boleto de Entrada, asistir a un teatro de cartelera y un informe con análisis de la obra. La asistencia generalmente femenina era con un familiar. Si atendemos el porcentaje población el 30 % de cada grupo era mujer. Más de 40,000 personas

Orquesta Sinfónica Nacional          10 visitas anuales, movilizando 3,000 alumnos por año

Igualmente la asistencia era en compañía de otra persona, incluso niños, con lo que superó fácilmente las 35,000 personas.

Espectáculos de folklore                  6 visitas anuales, movilizando 420 alumnos por año

Casi 3,000 alumnos

Espectáculos de Ballet                     4 visitas anuales, movilizando 200 alumnos por año

Aproximadamente 800 personas

Lima monumental (8 distritos)       4 visitas anuales de 50 alumnos cada salida de 4 horas para reconocer los principales monumentos históricos, culturales y artísticos de nuestra querida capital, movilizando cas 3,000 alumnos.

Viajes nacionales que tenían como objetivo relacionarlos con su propia realidad nacional, estudiar las inmensas posibilidades laborales, el ingente potencial de recursos que pueden terminar generando industria, conocer sus costumbres, su folklore, su comida y en el caso de Ecología  comprobar las altitudes y regiones que sólo  lo conocían en el cuaderno o por internet o televisión. Luego de una preparación previa y con autofinanciamiento de sus gastos, los grupos que viajaron llegaron a: Chiclayo, Trujillo, Huaura, Vegueta, Paracas, Ica, Chincha, Huaraz (Todo el Callejón de Huaylas), Tingo María, Huánuco, Hidroeléctricas de Huinco y Pablo Bonner, Matucana, La Merced, Casma, Huaraz, Oxapampa, Arequipa, Ayacucho, Huancayo.      Desde 1 día hasta 5 días según planificación.

Otro programa que se comenzó conjuntamente con los profesores de producción y marketing era demostrar que la empresa no está alejada del arte en sus diversas manifestaciones, finalmente dejó de hacerse por las dificultades de horarios de las empresas que tenían que coincidir con las horas de clase para estas labores.

Finalmente, lo más espectacular y grandioso era el FESTIVAL DE LAS ARTES que

permitía mostrar los logros del trabajo de los profesores de arte  (solamente 2)

El festival duraba 2 días: sábado y domingo y en cada día se presentaba la

Galería fija de pintura y escultura y las presentaciones de teatro y danza de los distintos

Salones.

Hemos presentado, a manera de recuento incompleto, Pachacamac, el hijo del sol, La

creación del mundo (adaptación de trabajos de Arturo Jiménez Borja, Remedios Caseros de Abelardo. Gamarra, El Gran Teatro del Mundo de Calderón de la Barca, Sueño de una noche de Verano, Hamlet, Macbeth,  de William Shakespeare, El peregrino del amor (adaptación de un cuento de CH. Irving), Sumak Tika ((Anónimo) La Achirana del Inca (Anónimo), Edipo Rey y Antígona de Sófocles, Nuestra Natacha de Alejandro Casona, Bodas de Sangre de Federico García Lorca, El médico a Palos, las Preciosas ridículas, El Enfermo Imaginario y Misántropo de Moliere, La Leyenda de la Huacachina (adaptación de Rufino Ramírez), Las Tres Viudas de M.A. Segura (parte), Collacocha de Enrique Solari S (Parte), El túnel del tiempo en creación colectiva del grupo de alumnos, El Matador (adaptación del poema de F.García Lorca), Perlimplín con Belisa en su Jardín, El Viejo celoso, La guarda cuidadosa, El retablo de las maravillas, entremeses de Miguel de Cervantes Saavedra, La danza de las ataduras de Luis Urteaga Cabeza, La Mandrágora de Maquiavelo, La Ley de Julio Ortega, El Genio de las Piedras ( versión teatralizada del poema de Jorge Donayre) Santiago El pajarero de Julio Ramón Ribeyro, Arlequín, servidor de dos patrones de Goldoni, La zapatera prodigiosa y Yerma de F. García Lorca, La Asamblea de las mujeres de Aristófanes, Ollantay (Anónimo), El caso de las petunias pisoteadas de T. Williams, Otra vez el diablo de Alejandro Casona, el Chullachaqui y el Tunche (versión adaptada de leyendas de la selva por Rufino Ramírez, Farsa y Justicia del corregidor, Prohibido suicidarse en primavera  de Alejandro Casona, Las diabluras del Chiru Chiru y las Diabluras de los diablos (Adaptación de la Candelaria por Rufino Ramírez).

Como danzas se han presentado muchas versiones de la Diablada de Puno y Oruro, Danzas del Cusco, de Huaraz, de Arequipa, de Cajamarca, de Piura, Ayacucho, Huánuco, de la selva y hasta versiones muy modernas de cumbias o rock y una estilización del caso de MIchael Jackson. En estas tareas la labor docente se limitó a establecer disciplina y coreografías y motivar a los grupos interesados en ensayar observando videos, asistiendo a eventos donde se pudieran visualizar y en casos especiales a contratar sus profesores adicionales y los resultados fueron mucho más dignos de las presentaciones que algunos profesionales hacen en la actualidad..

Estas obras de teatro y las danzas, muchos en montaje repetidos, desde comedias hasta tragedias y recorriendo diversos pueblos y costumbres se desarrollaron en talleres de una y media , una vez por semana y ensayos adicionales de cada grupo.

Los éxitos aquí dependieron de la motivación del docente y nada más.

Y el público asistente a cada obra y cada danza era múltiple y variada: desde alumnos de la UTP y otras universidades, familiares de los alumnos y otros invitados, llenando la sala con promedios de 100 a 150 espectadores por día de Festival, que comenzaban a las 8 de la mañana y concluían a las 10 pm. De manera ininterrumpida.

Son logros evidentes y parciales en una universidad. Si sumamos los de otras universidades donde igualmente se promueve teatro, podemos concluir que nuestro aporte fue interesante y que podemos contribuir de esta manera no solamente a promover el arte y su apreciación, sino crear público para que estos espectáculos tengan éxito y tantos jóvenes y profesionales se enriquezcan y mejoren  no solo en su vida laboral, sino familiar y social, Este trabajo se desarrolló de 1999 al 2014 en que me retiro de la UTP. Se contó con el apoyo incondicional de las autoridades, muchos de los que asistieron a los espectáculos, facilitando un auditorio para los trabajos. Cuando se cortaron estos incentivos y el arte dejó de ser una actividad importante para las nuevas autoridades, sencillamente me retiré. Entendí que mi rol en ese lugar había terminado.

Recuerdo estas experiencias que las tengo inclusive en cientos de registros fotográficos, cantidad de obras de teatro adaptadas para los diferentes grupos. Nunca fue problema  la cantidad de horas de trabajo dedicadas tratándose del arte. Siempre el tiempo real utilizado fue de 5  o más veces del horario asignado. Por ello es indispensable entender el fenómeno de promover el arte, de difundirlo en sus diversas manifestaciones. Formulo el análisis frente a las dificultades que tienen algunos colegas en desarrollar los talleres de arte y el teatro en particular. El objetivo en las Universidades no es formar artistas, sino que utilicen el arte para mejorar su calidad personal y una mejor formación profesional y disfruten de la única propiedad exclusiva del hombre: el arte.

Los miles de alumnos que se beneficiaron y que hasta hoy lo recuerdan y triunfan son la mejor prueba del éxito logrado. Trabajan en las más prestigiosas empresas, dirigen y gestionan sus propios negocios… y nunca ya se alejan del arte. Nos encontramos en el teatro, en los conciertos o visitando algún lugar del planeta y donde estemos… nuestro saludo es incontrastable… “Profesor Rufino, gracias por haberme dado la oportunidad de comprender y disfrutar del arte, de vivir la más hermosa experiencia humana con la que hoy soy triunfador. Nos vemos pronto”. Por mi parte, comparto su entusiasmo y agradezco su amistad eternamente. ¡Viva el arte! ¡Viva el teatro!

Lima, Enero del 2016

Prof. Rufino Ramírez

www.educarteturismo.com

rufinoramirez@hotmail.com

REFERENCIAS

ARNOLD, ROLF(2001)        “Formación profesional. Nuevas tendencias y perspectivas”. Montevideo : Cinterfor, 2001.153 p. (Herramientas para la Transformación, 16 -34 )

HUYGHE René (1965)          El arte y el hombre. Barcelona: Editorial Planeta.

Plan Nacional de Inserción de los Componentes Culturales y Artísticos en la Educación Beatriz Parra Durango Viceministra de Cultura Ministerio de Educación y Cultura de Ecuador.

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INGENIEROS, José (2011)   “El hombre mediocre” ¡1ra. Edición 1913)

LOPEZ CALICHS Ernesto (2005)    Gestión del conocimiento. Msc. Ana Mahé Inda González.

Cuba, Ciudad de la Habana, Mayo 2007

            http://pruebasplus.com/documents/fudamentosteoricos/COMPETENCIASPLUS.pdf

LOPEZ CALICHS Ernesto (s/f)        “El proceso de formación de las competencias creativas. Una

necesidad para hacer más eficiente el aprendizaje de los estudiantes universitarios”. Universidad de Pinar del Río“Hermanos Saíz Montes de Oca“, Pinar del Río, Cuba

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READ Herbert  ( 1991)          Educación por el arte. Ediciones Paidos. Buenos Aires, 1991)

RODRIGUEZ DEL SOLAR Natalia (1998) “Syllabus: ¿instrumento de enseñanza?UNMSM-1998)

ROS, Nora (2002)                  El lenguaje artístico, la educación y la creación. 2002. Revista Iberoamericana de Educación (ISSN: 1681-5653)

UNESCO (2006)                    (Hoja de Ruta para la Educación Artística. Conferencia Mundial

sobre la Educación Artística: Construir capacidades creativas para el siglo XXI. Lisboa, 6-9 de marzo de 2006)

VIGOTSKY L.S.(1997)                     “La imaginación  y el Arte en la Infancia”.

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VIGLIECCA María Eva (2012)  .“Epistemotecnología.- ¿del  fordismo al posfordismo?

Advenimiento de los nuevos modelos de organización industrial” . Buenos Aires, 15 de agosto de 2012.

 

CRITERIOS DE EVALUACIÓN EN EL TEATRO

 

Prof. Rufino Ramírez Cóndor

 

 

CRITERIOS DE EVALUACIÓN EN EL TEATRO

 

 

  1. GENERALIDADES.

 

Evaluar: es la mayor responsabilidad que asume el docente en el proceso educativo. Valorar, medir o conocer los resultados de su trabajo para decidir si aprueba o desaprueba o premia o castiga al alumno. Imaginen la importancia que tiene y que se constituye en un factor determinante que incide en el futuro de la persona y puede tener efectos diferentes de acuerdo con cada sujeto. Razón de más para que seamos muy cuidados en aplicar criterios que tengan validez, confiabilidad y oportunidad.

Pueden estandarizarse algunos criterios, pero en su aplicación NO SE DEBE MASIFICAR, SINO INDIVIDUALIZAR.

 

Si una prueba matemática puede ser aplicada de manera grupal y el resultado de un problema puede ser el mismo y por tanto el logro calificado de la misma manera, en el caso de la evaluación artística, los logros de un proceso creativo, ni siquiera operativo pueden ser tratados de manera grupal. Cada caso requiere de una evaluación particular.

Los procesos de desarrollo en el arte son más complejos que en la ciencia o tecnología y por ello, si es verdad que debemos auxiliarnos de la ciencia y la tecnología para evaluar con mejores criterios y mensurables, no debemos aplicarlos con criterios absolutos, sino siempre relativos.

 

Existen diversidad de definiciones y conceptos. Quiero que recuerden fundamentalmente que para evaluar debemos contestarnos a las siguientes preguntas:

 

¿Por qué evaluar?

¿A quién?

¿Qué?

¿Cómo?

¿Con qué?

¿Dónde?

¿Cuándo?

¿Quién?

¿Para qué?

 

La evaluación constituye el final o cierre de un proceso o de la operación. Pero su aplicación será diagnóstica, sumaria o final en cada fase o etapa y de todos los participantes del proceso educativo.

El docente también debe ser evaluado, con criterios mucho más exigentes, a efectos de estar seguros como institución o como Directivos, de que las medidas y procesos de medida para orientar la toma de decisiones, está siendo aplicados por personal altamente preparado y que constantemente investiga medios y procedimientos.

 

2.-        OBJETIVOS DEL APRENDIZAJE

 

Siguiendo las distintas corrientes educativas, los docentes del curso establecen sus objetivos de aprendizaje por niveles. Sólo será siempre indispensable, redactar los objetivos en función de los contenidos que debe incluir:

 

1.-        El alumno, de manera explícita o implícita

2.-        La conducta observable que se quiere obtener

3.-        El contenido o medio por el cual se manifestará la conducta

4.-        Nivel de Precisión o dominio o calidad del logro que esperamos

Puede ser un mínimo de logro individual

Puede ser un logro grupal, inmediato o progresivo.

5.-        Condiciones de ejecución, es decir la descripción de las condiciones bajo las cuales se espera que el alumno logre o demuestre su dominio.

 

 

EJEMPLOS DE OBJETIVOS DE APRENDIZAJE

PARA ANÁLISIS

 

El alumno subrayara en una lista de obras literarias, la que pertenezca al escritor Mario Vargas Llosa.

 

El alumno se desplazara en el escenario, sin equivocarse,  diferenciando con el movimiento de su cuerpo, todos los niveles de altura, planos, direcciones y velocidades que vaya enunciando el profesor (80%)

 

El alumno representará en el escenario indicado y en 15 minutos, corporalmente: objetos, muebles, animales y paisajes, utilizando una mesa, una silla, su ropa personal y una manta. ( 80%)

 

 

ELEMENTOS QUE PUEDEN SER UTILIZADOS PARA EVALUAR UN TRABAJO TEATRAL O UN ESPECTÁCULO

 

ELEMENTOS VISIBLES

 

                                    Visuales:         Escenario

Escenografía

Vestuario

Maquillaje

Mobiliario y utilería

Cuerpo humano

 

Auditivos        Palabra- voz

Música

Ruidos

 

Tiempo

 

Texto literario

 

ELEMENTOS NO VISIBLES

 

Mensaje – lección – esencia – finalidad

Argumento – historia – fábula

Tema – asunto – eje

Emociones

Sentimientos

Valor estético (belleza)

Unidad – contraste

Armonía – proporción

PERFECCION

 

EJEMPLO DE VALORACIÓN DE LA PARTICIPACIÓN

DE UN ALUMNO EN UN ESPECTÁCULO TEATRAL.

 

VARIABLES

 

ASISTENCIA (puntualidad)              A:        15 minutos antes de la hora o más

B:        Exactamente a la hora

C:        Después de la hora

 

ATENCIÓN a su participación          A:        Muy atento

B:        Atento

C:        Requiere controlar

 

COLABORACIÓN con los demás    A:        Colabora sin ser requerido

B:        Colabora al ser requerido

C:        No colabora. Obstaculiza

 

SOLUCION de imprevistos              A:        Resuelve sin esperar

B:        Resuelve consultando

C:        No soluciona. Dificulta

 

EQUIVALENCIAS                          A:        18-20

B:        15-17

C:        11-14

D:        10 y menos( Inadecuado)

 

 

EVALUACIÓN DE UN ESPECTACULO TEATRAL

                       

MEDIOS O INSTRUMENTOS OBSERVABLES                                                        

 

1.- ESCENARIO Y ESCENOGRAFIA ( adecuados a la obra)

2.- MOBILIARIO Y ENSERES

3.- ILUMINACIÓN

4.- UTILERIA DE MANO

5.- PUNTUALIDAD EN EL INICIO / ENTRADA

 

EVALUACIÓN DE LA INTERPRETACIÓN (PERCEPTIBLES)

 

1.- DOMINIO DEL ESCENARIO Y LA ESCENOGRAFIA

2.- MANTIENE RELACION PERSONAJE/ ACTOR

3.- CONCENTRADO EN SU INTERPRETACIÓN

4.- DICCIÓN,  VOCALIZACION CLARA.

5.- VOLUMEN DE LA VOZ. SE OYE SIN MOLESTAR

6.- USO OPORTUNO Y CORRECTO DE UTILERIA

7.- ACCIONES CORPORALES COMPRENDEN AL PERSONAJE

8.- ROPA ADECUADA AL PERSONAJE, EPOCA Y SITUACION

9.- PERSONAJE ES INTERPRETADO INTEGRADO A LA HISTORIA

10.- SIGUE EL TEMA- MENSAJE, EXPRESA Y/O/RATIFICA ARGUMENTO

 

(Rufino Ramírez C. Conferencia para profesores de Folklore

06 Enero 2002. GUE Juana Alarco de Danmert)

 

 

 

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